Con la luz podemos brindarle una expresión artística a los planos cinematográficos, pero fundamentalmente la luz es la base del cine y sin ella, la cámara y el celuloide serían artilugios obsoletos. Hoy vamos a hablar de la historia de la iluminación en el cine, del espectro luminoso del ojo humano y de esos grandes directores de fotografía que nos hacen confundir una película con una obra pictórica.
El espectro visible
Primero vamos a conocer un poco el espectro de la luz antes de adentrarnos en la iluminación cinematográfica. El ojo humano está preparado para captar la luz visible; y dicho espectro está comprendido entre los 400 y los 700 nanómetros (nm = millonésima de milímetro) teniendo una frecuencia de un billón de ciclos por segundo. Y solo es este pequeño rango (de 400 a 700nm) el que excita a la retina humana produciendo la sensación de color y brillo.
Este espectro visible por el ojo humano se denomina “radiación monocromática” y dicho rango tiene diferentes tonos que van desde el rojo “R”, pasan por el verde “G” y terminan en el azul “B”. Y es en este punto es dónde empezamos a hablar de la luz en el cine y el vídeo.
El RGB
En el ojo humano existen unas células llamadas conos que reaccionan mediante la estimulación del color. Y dichas células se dividen en tres grupos; el primer grupo reacciona con la longitud de onda central (el verde), el segundo grupo de conos reacciona ante la longitud de onda más cercana a los 700 nm (el rojo) y el tercer grupo son estimulados por los tonos azules, ubicados a la izquierda del espectro. Y es por esta fisiología del ojo humano que la cinematográfica y la televisión han elegido como colores primarios de la luz el “RGB” (rojo, verde y azul). Y con la mezclas de estos colores se crean los demás colores de la luz (amarillo, magenta y cian).
La temperatura de color
Ahora que sabemos por qué el cine toma como clores primarios el rojo, verde y azul y que la luz siempre produce calor (hablando profesionalmente, no existe el término “luz fría”), hablaremos de la temperatura de color que es un parámetro fundamental en el cine. La temperatura de color se mide en grados Kelvin y define “la temperatura de color” de una fuente de luz (el sol o una lámpara de tungsteno) comparando su color dentro del espectro lumínico con la luz que emite un cuerpo negro calentado a una determinada temperatura. El rango de los grados Kelvin van desde los 1800 a los 16000, pero hoy solo vamos a hablar desde el rango que comprender los 1800K a los 5780K.
Los 1800K serán los idóneos para grabar una escena emulando la luz de una vela, los 2000K serán los grados idóneo para iluminar un amanecer, los 2800K son los adecuados para emular la iluminación de un hogar. Los 3200K son los grados del tungsteno profesional (iluminación profesional de estudio para cine), los 5500K es la luz reflejada por el sol antes de las 12 del mediodía y los 5780K es el sol puro alrededor de las 14 horas, en un cielo totalmente despejado.
Y para medir los grados Kelvin en el cine se utiliza un fotómetro que mide la temperatura de color (toma la longitud de onda de cada fuente de la luz). Y con estos parámetros el director de fotografía determina la velocidad y la abertura del diafragma de la cámara.
Si partimos de la temperatura de estudio que son 3200K, podemos manipular la temperatura de color con los filtros CTO (naranja) y CTB (azul). Con una CTO full podemos bajar a los 1800K para crear la ilusión de que la escena está iluminada con la luz de una vela, en cambio con un filtro CTB full podemos subir a los 5500K para emular la entrada de la luz solar por una ventana.
La historia de la luz en el cine
Eisenstein (pionero del montaje) o Fritz Lang (expresionismo alemán) grandes directores del cine en blanco y negro, fueron artistas en dominar las luces y sombras, llegando a otorgarle a la sombra el grado de protagonista (utilizando con maestría el contraluz, la nieva y el humo).
Dichos cineastas se han inspirado tanto en la fotografía como en la pintura, tomando sus conceptos y llevándolos al séptimo arte.
Directores de fotografía
Vittorio Storaro (Roma 1940) innovador y experimentador de nuevas técnicas basa su trabajo en la “teoría de los colores” que es el poder psicológico que ejercen los colores de la luz en el espectador. Este gran director de fotografía trabajó con Bernardo Bertolucci y Carlos Saura entre otras cineastas, pero su obra maestra es sin duda Apocalipsis Now (Francis Ford Coppola – 1979). En la película pudo plasmar el naturalismo (las escenas de guerra) y el expresionismo (las apariciones del Coronel Kurtz) con una gran maestría.
Gregg Toland (USA) fue el director de fotografía de unas de las grandes películas de la historia del cine, estamos hablando de Ciudadano Kane (Orson Welles – 1941). Sin duda Gregg Toland fue unos de los pioneros de la fotografía en el cine, porque explotó al máximo las posibilidades expresivas y narrativas de la luz, otorgándole a Orson Welles la posibilidad de experimentar en la puesta de escena con nuevos puntos de vista y nuevos tamaños de planos (antes desconocidos).
Y vamos a terminar con la película contemporánea, Renoir (Francia – Gilles Bourdos). La obra relata la vida del pintor impresionista Auguste Renoir. Pero vamos a recalar en la fotografía del film que fue realizada por Mark Ping Bing Lee, quien trabajó cada plano como una obra pictórica del gran Auguste Renoir. La fotografía esta tan bien lograda que el espectador se mete de lleno en la obra de Renoir.
Esperemos que con el artículo comprendas un poco más el arte de la iluminación en el cine. Y te alentamos a compartir con nosotros aquellas películas cuya iluminación te hayan marcado.
